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第14回恵比寿映像祭 地域連携プログラム 

Yebisu International Festival for Art and Alternative Visions 2022

オンライン展「Open Talk」 Online Show "Open Talk"  Exhibition

2022年2月5日(土)から20日(日)まで  Feb 5 - 20, 2022 

 

アーティスト:

寺島大介 Daisuke Terashima(日本 Japan)

デヴィッド・マレク David Malek(米/フランス US/France)

ジェシー・ホーガン Jesse Hogan(オーストラリア Australia)

オリヴィア・マレーナ・ヴィダル Olivia Malena Vidal(スイス Switzerland)

トカデュ aka クイン D ファム To K Du aka Quyen D. Pham(ベトナム Vietnam)

 
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Olivia Malena Vidal art works  
  クリック/スクロールして作品をお楽しみください。
click images to enlarge & scroll.      

 
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publication

Floor Talks / Simulated Surface– Lee Kit: By the way, 

11 JAN – 8 FEB 2014, Shugo Arts, Tokyo

https://www.art-it.asia/u/admin_expht/vO9uUDeZXbE8qcASx5KB

Oil on Canvas, Perspex

60cm x 45cm x 4cm
2020

New publication 'Survival Aesthetics (c) Interview Series' has just been published by The Japan Foundation, Sydney & designed by Small Tasks / ACT

​ホーガン、ジェシー(博士)(シドニー出身)

東京藝術大学大学院美術研究科博士課程修了(2020年)、東京藝術大学大学院美術研究科修士課程修了(2017年)、西シドニー大学大学院芸術教育修士課程修了(2009年)、シドニー芸術大学美術学部学士課程修了(2005年)。 ホーガンは、空間的、文化的、美的、社会政治的発展の重要な場としてのアートスペースに特に関心を持ち、複数の媒体で作品を制作しています。展示をニュートラルな存在ではないという認識のもと、インスタレーションを美術の言語や周辺の実践を含有する地平と捉え実践を行う。現在、ペインティングのほか、日本やオーストラリアの現代アーティストとのキュレーションや出版プロジェクトに取り組んでいます。

- 簡単に自己紹介をお願いします。

 

私の名前はホーガン、ジェシーです。オーストラリア出身の現代アーティストで、主にペインティング、インスタレーション、言語およびテキストの分野の実践をしています。2020年に東京藝術大学大学院美術研究科博士課程を修了し、2017年に東京藝術大学で油画のMFAを、2005年にSydney Collage of the Artsでファインアーツ絵画のBVA(優等学位)を取得しました。

 

- あなたの実践を象徴するキーワードとその理由を教えてください。あなたのインスピレーションの源は何ですか?

 

ポストペインティング、ノンオブジェクト、テキスト&ランゲージ、生き残る美学、コラボレーション、人とのつながり、偶発性は、私の実践へのアプローチを定義する重要なキーワードです。私の作品は、美術史の多くの段階からインスピレーションを受けていますが、人類学、哲学、芸術理論、抽象芸術、概念芸術、美学などからも影響を受けています。私はしばしばアナログなアプローチをとり、前衛芸術の神話を参照、脱構築しています。多様な実践の影響と関係について、対話と交換の進化した地平であると考えます。

- 1日の過ごし方を教えてください。タイムスケジュールを教えていただけますか?日課は何ですか?料理はしますか?毎日、運動をしていますか?

 

デジタルラボでドキュメントやデザインに取り組み、スタジオでそれを物理的な素材に展開し、新しい作品をつくるというのが、私の一日の過ごし方です。朝はおいしいコーヒーが欠かせませんし、ストレッチや呼吸法も大切です。ブルーマウンテンの自然の中で過ごすことも大切なので、仕事を始める前にハイキングや散歩をすることもあります。アーティストが自分のプロジェクトや展覧会カレンダーを管理するための管理業務から自分を切り離すことは難しいと感じます。ですから、1日の前半はそういった仕事に追われ、午後から夕方にかけてはスタジオで絵を描いたり、作品を作ったりする作業に没頭するようにしています。

- 現在のような優れたアーティストになるには、どのような要素が必要でしょうか。

 

2013年から2020年まで、東京藝術大学に大学院の研究員として戻ることができたのは、とても幸運だったと思います。これにより、日本の文脈における現代美術について新たな洞察を得ることができ、IAE(International Art English)バブルの枠外で自分の実践とアート言語への理解を広げるよう、背中を押してもらいました。しかし、私が今日のようなアーティストになれたのは、周囲の人々や他のアーティストのおかげであると言わざるを得ません。特に、他のアーティストや思想家たちとの友情やつながりは、私の仕事においてより思慮深く批評的になるよう促してくれたのです。

- 好きな音楽について教えてください。

 

音楽は常に私の活動において非常に重要な要素となっています。特に、長時間ペインティングに取り組むときには欠かせません。私はいつも、実験的で自由な音楽やサウンドが好きです。クラシック音楽は常にわたしにとって大事な存在です。ジョン・ケージやジャン・スティールなどの初期の影響も重要でしたし、ジョン・レノン&オノ・ヨーコ、ブライアン・イーノ、CAN、YMO、細野晴臣、坂本龍一などのミュージシャンです。60年代後半のジャズは、アリス・コルトレーンやファロア・サンダースなども欠かせない。そして、マイク・ケリーのグループ、デストロイオールモンスターズやソニックユースなどの80年代、90年代のグランジやアートパンク。最近、オーストラリアには、素晴らしいノイズや実験音楽がたくさんあります。フォードア、マシュー・P・ホーキンス、アレクサンドラ・スペンスなど。オーストラリアのこれらのサウンドアーティストとのインタビューで、私は「ワーキングミュージック」という言葉を作りました。

 

- 最近、興味のあることは何ですか?ニュースやなにかトピックや活度など

 

最近は個人的な彫刻という考え方にとても興味があります。自分の個人的な記憶や経験につながるような素材を使った彫刻です。しかし、現在進行中のペインティングシリーズ「Floor Talks & Installs」の新作を完成させるために、まだ作業中です。現在の作品の制作と展示が終わったら、新しいアイデアと素材を探求していきたいと思っています。パンデミックは、多くの人々にとって多くのことを後退させましたが、私たちが次に何をしたいのか、何をしなければならないのか、考え、振り返る時間を与えてくれました。近い将来、東京に戻り、新しいプロジェクトやコラボレーション、出版物を生み出すことを楽しみにしています。また国境を越えて旅ができるようになったら、すぐにでも。

 

私の新しい出版物「生き残る美学 (c) インタビュー・シリーズ」が国際交流基金シドニー日本文化センターから出版され、デザインはSmall Tasks / ACTが担当しました。4A Centre for Contemporary Asian Art, Sydneyをはじめ、いくつかのギャラリーやアートブックショップで販売される予定です。

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学歴・研究開発歴

 

ホーガンの博士論文は「生き残る美学」と題され、現代アーティストが形式的、社会的、制度的批判を乗り越えるための連想、識別、普及の戦略として、参照、コラボレーション、接続を用いる方法について考察しています。 東京藝術大学大学院修士課程では、「日本におけるポスト・ペインティング」という概念に基づき、西洋と東洋のミニマリズムとコンセプチュアル・アートの関連性、および絵画制作における脱構築の残存効果に焦点を当てた研究を行っています。 SCAでBVAの学位を取得した当初、ホーガンは「絵画の死」、ポストメディアの状態における抽象とインスタレーションとの関連に焦点を当てた作品を制作していました。

 

「私はしばしば、古いものが新しく、新しいものが古いというアナログなアプローチで作品を制作しています。」JH

Jesse Hogan Ph.D. completed a Doctoral Degree in Fine Arts at Tokyo University of the Arts (2020), a Masters of Fine Arts at Tokyo University of the Arts (2017), A Masters of Art Education at the University of Western Sydney (2009), and a Bachelor of Fine Arts (Honours) at Sydney College of the Arts (2005). Hogan works across multiple mediums with a particular interest in art spaces as critical sites of spatial, cultural, aesthetic, and socio-political development. Understanding the exhibition conditions as non-neutral, Hogan plays with a host of artistic practices that engage with installation as a complex topography of art language and interconnected practice. He is currently working on paintings as well as several curatorial and publication projects with Japanese and Australian contemporary artists.

 

 

- Please introduce yourself briefly?

 

My name is Hogan, Jesse. I am a contemporary artist from Australia working primarily with painting, installation, language, & text. I graduated with a Ph.D. in Fine Arts from Tokyo University of the Arts in 2020. I received an MFA in Oil Painting at Tokyo University of the Arts in 2017, and a BVA (Honours) in Fine Arts Painting at Sydney Collage of the Arts in 2005.

 

- The keywords that represent your practices and why? What is your inspiration source?

 

Post–painting, non-object, text & language, Survival Aesthetics, collaboration, connection, & contingency are important keywords that define my approaches to art practice. My work has been inspired by many phases of art-history, but also by anthropology, philosophy, art-theory, abstraction, conceptual art, and aesthetics. I often take an anachronistic approach to work, referencing and de-constructing myths of the avant-garde - seeing influence and relations between many diverse creative practices as being an evolving landscape of dialogue and exchange.

 

- How do you spend a day? Could you share with us the time schedule? What is your daily routine? Do you cook? Do you do exercises daily?

 

I usually spend a day by working on documents and designs in the digital lab – and then extend these activities into physical materials and making new work in the studio. Good coffee is essential in the morning, followed by stretching and breathing. I find it is also important to spend time in the natural surroundings of the Blue Mountains, so I often do some hiking and bush walking before I start work. It can be difficult to separate myself from the admin tasks an artist has to deal with to manage their projects and exhibition calendar. So, I try to attend to these tasks in the first half of the day so I can become absorbed in the process of painting and constructing in the studio in the afternoons and evenings.

 

- What components do/did make you an outstanding artist like today?

 

I would say I was very fortunate to be able to return to Tokyo University of the Arts as a post graduate researcher from 2013 – 2020. This gave me new insights into contemporary art in the context of Japan and pushed me to extend my practice and understanding of art language outside of the frame of the IAE (International Art English) bubble. But I would have to say, one of the most important things that has made me the artist who I am today has been other people and other artists. Particularly the friendships and connections with other artists and thinkers who have encouraged me to be more thoughtful and critical in my work.

 

- Please share the music you like.

 

Music has always been a very important component in my practice. It is an essential companion to painting, especially when working on paintings for long hours at a time. I have always loved experimental, free-form music and sound. Classical music always works. Early influences such as John Cage, Jan Steele have been important, then progressive and post rock musicians such as Lennon & Ono, Brian Eno, Can, YMO, Haruomi Hosono, Ryuchi Sakamoto, etc. Late 60’s Jazz has been instrumental for listening, including Alice Coltrane and Pharoah Sanders, et al. And then the 80’s/ 90’s grunge and art punk including Mike Kelley’s group Destroy All Monsters and Sonic Youth. In recent years there has been a lot of incredible Australian noise and experimental music by artists such as Four Door, Matthew P Hopkins, Alexandra Spence. In an interview with some of these sound artists I coined the term – ‘Working Music’, meaning basically music for artists to work to.

 

- What are you interested in lately? Like news/specific topics/activities.

 

Recently I’ve been very interested in the idea of Personal Sculpture, Sculptures made with materials that connect to one’s own personal memory and experiences. However, I am still working on finishing new works from my ongoing painting series ‘Floor Talks & Installs’. Once I have completed the production and exhibition of my current works, I am looking forward to exploring these new ideas and materials. The pandemic has set a lot of things back for a lot of people, but it has also given us some time to think and reflect on what we want and need to do next. I am looking forward to return to Tokyo to create new projects, collaborations and publications in the near future. As soon as we are able to travel beyond our borders again.

 

In addition, recently my new publication 'Survival Aesthetics (c) Interview Series' has just been published by The Japan Foundation, Sydney & designed by Small Tasks / ACT.

It will be available through 4A Centre for Contemporary Asian Art, Sydney, as well as some other Galleries and Art Books Shops.

 

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Academic Bio / History of Research & Development

 

Hogan’s Ph.D. Thesis titled ‘Survival Aesthetics’, looks at the ways contemporary artists use reference, collaboration and connection as strategies of association, discernment and dissemination for traversing formal, social and institutional critique. Hogan’s MFA Research at Tokyo University of the Arts was framed by the notion of ‘post-painting in Japan’, focusing on the links between western and eastern minimalism and conceptual art, and the residual effects of deconstruction in the practice of painting. Early on while completing his Honours BVA degree at SCA, Hogan’s work was focused on the links between the ‘death of painting’, abstraction and installation in the post-medium condition.

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“I often take an anachronistic approach to work, where old is new and new is old – referencing and de-constructing the myths of the avant-garde”. JH

 
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トカデュ (aka クイン D. ファム, b.1981, ベトナム・ハノイ出身)

パフォーミングアーティスト。パフォーマンス、コンテンポラリーダンス、サウンド&実験音楽、フィルム、ビデオ、ニューメディアアートに焦点を当てた独立系アートプロジェクトTime Betweenの創始者。
 

アートをより身近なものにするため、また私たちが暮らす現在の物質的な世界に対応するため、Time Betweenはマテリアルではないアートに専念し、特定のスペースを持たず活動。

Time Betweenを運営し、独立したアートプロデューサーやキュレーターとして活動する傍ら、2019年6月から詩やパフォーミングアート、最近ではビデオパフォーマンスという言語を通して自分自身の内面の探求をスタート。

 

彼女の実践では、空間、時間、音、精神生理学、夢、想像力、自然の要素を扱っている。第25回日本国際パフォーマンスアート・フェスティバル(NIPAF2020)に招聘される。

その後、Live & Performance, The Observatory, HCMC, Vietnam (Oct 2020), (Re)inmagined Chorography, Sàn Art and Đường Chạy, HCMC, Vietnam (Dec 2020), Holding Common Groundでパフォーマンス作品を発表。Pathways to Cultural Exchange in Vietnam, Soul Music & Performing Arts Academy, HCMC, Vietnam (Apr 2021), International Multimedia Art Festival IMAF 2021, Novi Sad, Serbia (Aug & Sep 2021)など。現在はダラットに在住し、Time Between projectsの一環であるVietnam Performance Art Archiveのための新しいパフォーマンス・プロジェクトとリサーチに注力している。

- 自己紹介をお願いします。

 

パフォーマンス、コンテンポラリーダンス、サウンド&実験音楽、フィルム、ビデオ、ニューメディアアートに焦点を当てたインディペンデントアートプロジェクト、Time Betweenを立ち上げたパフォーマンスアーティスト、To K Duです。アートをより身近なものにするため、そして私たちが暮らす現在の物質世界に対応するため、Time Betweenは物質的ではないアートに特化し、固定された場所に拠点を置かないようにしています。

- あなたの実践を象徴するキーワードとその理由を教えてください。 

 

アートプロジェクトTime Betweenを運営し、独立したアートプロデューサーやキュレーターとして活動する傍ら、2019年6月からは、詩やパフォーマンスアート、最近ではビデオパフォーマンスという言葉を通して、自分自身の探求をはじめました。私の芸術活動は、空間、時間、音、精神生理学、夢、想像力、自然の要素などを扱っています。オーディエンスからは(私のパフォーマンスは)有機的、詩的、儀式的、誠実という感想をいただいています。

- どのような要素があなたを優れたキュレーターにしているのでしょうか?

 

私はいくつかの展覧会をキュレーションし、アーティストやアートに携わる友人から批評を受けましたが、自分が優れたキュレーターであるとは思っていません。実は今、私はキュレーターやプロデューサーとしてよりも、アーティストとして作品を作る方向に進んでいます(でも、自由に表現できるのであれば、肩書きは重要ではないと思っています)。

 

鑑賞者に新しい体験を提供し、アートを届ける際の境界線を壊すことが好きなのです。アーティストと鑑賞者を屋上、廃墟、バー、ナイトクラブなどの型破りなスペースに移動させ、彼らの物語を語らせたいのです。

 

アーティストが自由に表現できる場を提供し、鑑賞者もアーティストの作品やメッセージを自由に受け止めることができるようにすることが目的でした。私にとって、アート作品は、知的でスピリチュアルであると同時に、より深いレベルで鑑賞者の感情を揺さぶるものでなければなりません。アートとは、リスクを負い、変容することなのです。

- 1日の過ごし方を教えてください。タイムスケジュールを教えていただけますか?日課は何ですか?料理はしますか?毎日、体操をしていますか?

 

パンデミック中は、自宅で家族と静かに過ごしています。約8カ月前、私はサイゴン(※)からベトナムのランビアン高原にある山岳都市、ダラットに引っ越しました。当時のサイゴンはCovid-19の大流行で厳しい封鎖状態でした。サイゴンでのスピーディーで忙しい生活から、ダラットでのゆったりとした生活で少しずつ変化がありました。

 

今は、自然の中で過ごす時間が増え、自分の内面を深く見つめることができるようになりました。最近は、朝6時くらいに早起きして、運動や瞑想をするようにしています。娘が起きたら散歩に行き、朝食後は家庭学習の時間です。娘は5歳半です。私はキッチンで料理や掃除をしたり、最近家族がベジタリアンになったので新しいレシピを探すのに多くの時間を費やしています。娘が宿題をしている間は、本を読んだり、文章を書いたり、絵を描いたり、音楽を聴いたりと、自分のための時間を過ごしています。もっとアートのための時間が取れればいいのですが、まだ大流行の最中なので、我慢しなければならないと思っています。

- あなたが好きな音楽を教えてください。

 

クラシック、ジャズ、ソウル、フォーク、サイケデリック、エレクトロニック、アンビエント、ライブラリー、映画音楽…実験音楽とサウンドアートも大好きで、この種のアートを含むいくつかの展覧会のキュレーションもしました。時々音楽を消して、自分の中の静寂と自分のいる空間に耳を傾けることもあります。

- 最近、興味のあることは何ですか?ニュースや特定のトピック、活動など。

 

13年間サイゴンの喧騒の中で暮らしていた時と比べて、今はずっと自然に近いところで暮らしているので、自然やそれが人間の心理、心身の健康に及ぼす影響を発見することに興味があります。

 

この世の中には、人間のルーツである自然から離れて暮らしているために、多くの苦しみがあると思います。最近は、山歩きや登山、森林浴をしたり、メディカルハーブや体の仕組みについて学んだりして過ごしています。

 

同時に、個人的なパフォーマンスや映像作品の制作、パンデミック後に企画する展覧会のアイデアを練っています。また、アートプロジェクトTime Betweenの一環として、ベトナムのパフォーマンスアートに関するリサーチとアーカイブの構築も行っています。

 

 

※ ホーチミンの旧称。現地の人は現在も愛着をこめてサイゴンと呼ぶことが多い。

To K Du (aka Quyen D. Pham, b. 1981, Hanoi, Vietnam) is a performance artist and founder of Time Between, an independent art project focusing on performance, contemporary dance, sound & experimental music, film, video and new media art.

 

With the aim of bringing art closer to the public and in response to the current material world we live in, Time Between is dedicated to immaterial art and not based on a fixed location. Besides running Time Between and working as an independent art producer and curator, from June 2019 she began to explore herself through the language of poetry and performance art, and recently video performance. Her artistic practice deals with space, time, sound, psycho-physiology, dreams, imagination and elements of nature. She was invited to join 25th Nippon International Performance Art Festival – NIPAF 2020, Japan but she could not participate due to Covid-19 Pandemic. After that, she presented her performance work in Live & Performance, The Observatory, HCMC, Vietnam (Oct 2020), (Re)inmagined Chorography, Sàn Art and Đường Chạy, HCMC, Vietnam (Dec 2020), Holding Common Ground: Pathways to Cultural Exchange in Vietnam, Soul Music & Performing Arts Academy, HCMC, Vietnam (Apr 2021), International Multimedia Art Festival IMAF 2021, Novi Sad, Serbia (Aug & Sep 2021). She is now living in Dalat and focusing on new performance projects and research for the Vietnam Performance Art Archive, a part of Time Between projects.

 

- Please introduce yourself briefly?

 

I’m To K Du, a performance artist and founder of Time Between, an independent art project focusing on performance, contemporary dance, sound & experimental music, film, video and new media art. With the aim of bringing art closer to the public and in response to the current material world we live in, Time Between is dedicated to immaterial art and not based on a fixed location.

 

- The keywords that represent your practices and why? 

 

Besides running my art project Time Between and working as an independent art producer and curator, from June 2019 I began to explore myself through the language of poetry and performance art, and recently video performance. My artistic practice deals with space, time, sound, psycho-physiology, dreams, imagination and elements of nature. This is the feedback from one of my audiences: organic, poetic, ritualistic and sincere.

 

 

- What components do/did make you an outstanding curator like today?

 

I curated some shows and received critique from artists and friends working in the arts but I don’t think I am an outstanding curator. Actually, at the moment I am moving towards making art as an artist more than as a curator and producer (but I think title is not important for me as long as I’m free to express myself). I like to bring new experiences to my audiences and break boundaries in delivering art to them. I wanted to move the artists and audience into unconventional spaces such as outdoor rooftops, abandoned lands, bars and nightclubs… and let them tell their narratives. I aimed to provide artists a platform where they were free to express themselves and the audience were also free to perceive the artists’ works and messages. For me, artworks should touch the audience on a deeper level of emotions in combination with intellectuality and spirituality. Art is about risk taking and transformation. Forget plastic art!  

 

 

- How do you spend a day? Could you share with us the time schedule? What is your daily routine? Do you cook? Do you do exercises daily?

 

During the pandemic, my time is spent in quiet isolation at home with my family. About 8 months ago, I moved from Saigon to Dalat, a mountainous city in the Langbiang Highland Mountains of Vietnam. Saigon at that time was in a very strict lockdown due to Covid-19 pandemic. From a fast and busy life in Saigon, I have been changing gradually with the slow and leisurely pace of Dalat. Now I spend more time in nature and looking deeper inside myself. Recently, I have been trying to wake up early at about 6am to exercise and meditate. When my daughter wakes up, we go for a walk and after breakfast it’s time for home schooling. She is 5.5 years old. I spend a lot of time in the kitchen cooking and cleaning and finding new recipes as recently my family has turned vegetarian. When my daughter does her homework I have time for myself: reading books, writing, making art, listening to music. I wish I could have more time to work but I understand that we are still in a pandemic, and I have to be patient.

 

- Please share the music you like.

 

I am listening to many kinds of music: classical, jazz, soul, folk, psychedelic, electronic, ambient, library, film score music… Experimental music and sound art are also what I love as I curated some shows including to this type of art. Sometimes, I turn off the music and listen to the quietness inside me and in the space where I am.

 

- What are you interested in lately? Like news/specific topics/activities.

 

As I am living much closer to nature now compared to 13 years living in the bustle and hustle of Saigon, I am interested in discovering nature and its effects on human psychology, mental and physical health. I think there is so much pain in this world because human beings are now living apart from nature, which is our roots. Recently, I spend time walking and climbing mountains, having a forest bath, learning about medical herbs and how our bodies work. At the same time, I am working on some personal performances and video works and developing ideas for art shows I plan to organise after the pandemic. I am also doing research and building up an archive about Vietnamese performance art as a part of my art project Time Between.

 
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Daisuke Terashima drawings
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